L'ampleur et les variations du dessin japonais au fil des siècles sont difficiles à saisir dans quelques chefs-d'œuvre. Naturellement, en zoomant sur une époque et un lieu, on peut commencer à essayer de déballer les métaphores, les symboles et le raffinement de l'art japonais à chaque époque.
Du célèbre (et ironiquement toujours changeant) Hokusai, aux illustrations modernes d'aujourd'hui que l'on voit dans les anime et les manga, voici une petite cure de jouvence de la gamme et des détails des dessins et illustrations japonaises, chacun ayant sa propre histoire unique à raconter.
1. De l'exposition Ora Ora de Shohei Otomo, 2017
Shohei Otomo, fils de Katushiro Otomo d'Akira, dessine presque exclusivement au stylo à bille, préférant non seulement son esthétique mais aussi son humble prix de 80¥. Ce dessin d'une jeune écolière brandissant des couteaux est tiré de son exposition Ora Ora en 2017.
Ora Ora est un cri d'angoisse, un son que l'on pourrait entendre dans la scène de combat d'un anime ou d'un manga. Ce titre approprié illustre le style cyberpunk rebelle de Shohei, qui combine les clichés et les perceptions occidentales modernes du Japon avec des éléments de l'art japonais traditionnel.
Il décrit la ville de Tokyo comme "étouffante" et "stressante", son art reflétant ce sentiment dans son chaos, son énergie et son symbolisme. "...Sous la surface, il y a beaucoup de malheur", a-t-il déclaré dans une interview à ABC en Australie au sujet de sa ville natale de Tokyo.
Dans la même interview, Shohei fait la lumière sur sa conviction que les adultes japonais "négligent les enfants". Les dessins d'Ora Ora présentent une sorte de fantasme de vengeance, où les enfants retrouvent leur autonomie et leur pouvoir. Chaque illustration prend environ un mois à réaliser.
2. Seize Arhats de Gessen, date inconnue
L'artiste et moine, Gessen (1741-1809), était connu pour sa volonté de peindre sur différentes surfaces, même celle de la jupe d'une geisha. On dit qu'il insistait souvent pour être payé à l'avance. Sa popularité grandit, et bien que ses œuvres soient de qualité variable, il semble que son ardeur à obtenir le prix le plus élevé était pour pouvoir nourrir ceux qui étaient dans le besoin.
Gessen a étudié avec Sakura Sekkan et d'autres peintres qui semblaient partager son intérêt pour les nouveaux styles de peinture, y compris ceux d'influence occidentale. Ce dessin, Seize Arhats, représente les seize hommes légendaires de la tradition bouddhiste à qui l'on a confié les enseignements du Bouddha avant son départ pour le Nirvana.
Il est intéressant de noter que la légende s'est étendue à dix-huit arhats en Chine, mais les seize arhats restent des symboles de culte et de comportement exemplaire au Japon. Ce dessin particulier a été réalisé par Gessen à l'encre de Chine sur papier.
3. Spoon de Hidemi Ito, 2017
Des couleurs pastel douces et des ombres soulignent l'innocence et la simplicité du message moderne d'Hidemi Ito. Vue ici dans cette illustration, la cuillère courbée est le résultat de l'ESP, une sorte de contrôle cérébral au niveau de la matrice qui se prête à l'esprit des filles qu'Ito dépeint. Malgré l'atmosphère ludique et curieuse du dessin d'Ito, il y a aussi une sorte d'intensité qui avale les filles en concentration, laissant le spectateur se demander comment la cuillère a été manipulée à sa guise.
Selon Ito, son travail est inspiré par les films et son imagination. Elle nous a raconté que les idées derrière les jeunes filles et leur ESP proviennent d'un "sens romantique" de l'interprétation du monde et de ses mystères. La forme arrondie des corps et l'accent mis sur les jeunes femmes évoquent des souvenirs de nihonga ou de bijinga, mais Hidemi dit que l'influence de ces derniers doit être subconsciente.
Unsafe Day de son exposition en 2017 semble se rebeller contre la compulsion des temps modernes qui consiste à aplanir les difficultés et à dire que tout va bien. Le dessin d'Hidemi utilise des messagers féminins pour transmettre la tension moderne de manière "subtile". "Quand je dessine, je veux transmettre un moment qui ne peut être décrit avec le langage. Une émotion que j'éprouve". Elle dit. Hidemi Ito est l'une des nombreuses grandes femmes artistes japonaises que vous devez connaître !
4. Panier de fleurs I par Uemura Shoen, 1915
Uemura Shoen était le pseudonyme de l'artiste Uemura Tsune, originaire de Kyoto, qui a connu un succès incroyable. Flower Basket I semble être une esquisse à l'encre de Chine sur papier de la célèbre couleur de la peinture sur soie, Flower Basket.
Uemura dessinait généralement dans le style bijin-ga, bien qu'elle ait choisi de dessiner des femmes ordinaires par opposition aux artistes et amuseurs du genre courtois. "Flower Basket" I est inspiré d'une pièce de théâtre Noh, thème que l'on retrouve aussi souvent dans son travail. Uemura a été la première femme à recevoir le prestigieux prix de l'Ordre de la culture à une époque où les femmes n'étaient pas autorisées à recevoir une formation dans une école professionnelle.
Malgré les circonstances, la mère d'Uemura, une veuve qui tenait un salon de thé, a encouragé Uemura à poursuivre la peinture et l'a envoyée dans une école de peinture où elle a étudié sous la direction de Suzuki Shonen.
5. Dessin tiré de Spirited Away de Hayao Miyazaki (Studio Ghibli)
Dans le livre d'art cartonné intitulé The Art of Miyazaki's Spirited Away, on peut trouver plusieurs croquis du storyboard original, dont cette illustration d'un Chihiro transparent marchant sur le pont vers les bains publics. Dans une interview accordée à Miyazaki dans le magazine japonais Animage en 2001, l'animateur japonais a exprimé son désir de réaliser un film pour cinq jeunes filles qui étaient les enfants de ses amis de la famille.
"Et donc je me suis demandé si je pouvais faire un film dans lequel elles pourraient être des héroïnes..." dit Miyazaki, qui était sûr que le contenu du shojo manga ne répondait pas à ce que ces jeunes filles de dix ans voulaient vraiment voir et/ou lire.
Toutes les œuvres de Miyazaki sont dessinées de première main. Il partage la conviction fondamentale que l'esprit de l'animation est à la base du dessin à la main, une conviction qu'il a réitérée au fil des ans et qui a attiré beaucoup d'attention sur les efforts laborieux nécessaires pour créer une animation de son niveau.
Miyazaki se souvient que la raison pour laquelle il a choisi les bains publics comme lieu pour plonger un public dans l'imaginaire est que les bains publics sont "mystérieux". Il reflète à quel point il serait "amusant" qu'un tel établissement pour les dieux et les esprits existe dans notre monde.
Dans cette illustration, le spectateur peut voir les débuts de Chihiro, transparent dans sa forme mais pas encore connu de l'intérieur, son intériorité profonde sur le point de se déployer à l'intérieur des bains publics ludiques et parfois sombres dans lesquels il s'apprête à entrer.
6. Le moine Rensho chevauchant son cheval à l'envers par Matsumura Goshun, vers 1784
Soldat militaire, Kumagai Naozane, qui se souvient de ceux qu'il a tués lors de la guerre de Genpei (1180-1185), a abandonné sa vie dans le monde matériel et a cherché la paix en suivant une secte bouddhiste. Kumagai avait été considéré comme un héros dans l'issue de la guerre civile nationale, et un peu comme une légende dans les pièces de théâtre et les haïkus de Nô qui racontaient son histoire avec un masque japonais.
Plein de regrets, il renonce à son nom et devient Rensho (ou Rensei) afin de suivre les enseignements du bouddhisme. Illustré ici par l'artiste Matsumura Goshun, Rensho voyage de Kyoto à la région de Kanto à cheval, sa position à l'envers symbolisant la promesse qu'il ne brisera pas et qui était de ne jamais tourner le dos à Bouddha.
Cette célèbre illustration japonaise de Goshun est dessinée dans le style de la haiga, qui représente généralement des illustrations associées à des poèmes haïku. Son style simple s'inspire de l'enseignement de Goshun auprès de ses professeurs qui pratiquaient le nanga, un style de peinture traditionnel chinois dont les adeptes se considéraient souvent comme l'élite littéraire et intellectuelle.
7. I Hate Summer de Sakiyama, 2018
"I Hate Summer", une illustration du jeune illustrateur japonais Sakiyama, rappelle certains des thèmes sombres que l'on retrouve dans la pléthore d'estampes ukiyo-e qui reflètent la culture populaire de la fin de la période Edo. L'ukiyo-e avait des objectifs éducatifs et érotiques, et parmi ces thèmes figuraient des figures fantomatiques qui ne sont pas si différentes des personnages de Sakiyama dans I Hate Summer, qui dépeint une créature ressemblant à un démon ouvrant sa bouche pour nous avaler tout entier dans la nuit.
L'artiste dit que son plaisir vient de la création d'atmosphères à la fois "désagréables" et "décadentes". Utilisant principalement des moteurs de logiciels numériques comme Photoshop et After Effects, Sakiyama place ses personnages dans des villes qui se dévorent ou qui sont en décadence, grouillant de monstres ou d'humains moralement dépravés.
Des titres comme "I Hate Summer", ou d'autres comme "J'aimerais qu'il soit tout le temps minuit" impliquent un monde émotionnel où le spectateur peut explorer les ombres imaginatives de mondes au sein de mondes qui s'effondrent.
8. Dessin iconique de Saturne, 12e siècle
Doyo, ou Saturne, est ici caractérisé comme un homme en robe avec une tête de taureau assise sur sa tête. Cette illustration japonaise classique est maintenant montée sous forme de parchemin suspendu.
La planète Saturne, ainsi que neuf de ses contemporains célestes ou "Neuf Lumières", faisaient partie du système stellaire qui a été introduit au Japon et en Chine au 12e siècle. Ces Luminaires ont été vus pour la première fois dans des textes indiens qui ont ensuite été inclus dans les enseignements bouddhistes.
9. Femme aux cheveux ébouriffés par Chihiro Iwasaki, 1946
Avant d'être connue pour ses aquarelles et d'avoir remporté des prix pour ses illustrations de livres pour enfants, l'artiste Chihiro Iwasaki, encore inconnu, s'asseyait tard le soir avec un crayon et du papier. Ce dessin, Femme aux cheveux ébouriffés, a été réalisé lorsque Iwasaki est rentrée à Tokyo après la fin de la Seconde Guerre mondiale.
La maison de sa famille avait été détruite pendant la guerre, ce qui l'avait amenée à être évacuée vers la maison de sa grand-mère à Nagano. Ce dessin particulier a été réalisé sous la tutelle des artistes Iri Maruki et Toshiko Akamatsu, mari et femme, qui dirigeaient un atelier faisant partie du Parti communiste japonais.
"Woman With Tousled Hair" (en anglais) est l'une des nombreuses œuvres qu'elle a réalisées alors qu'elle essayait de devenir une peintre et une illustratrice reconnue. Pendant la journée, Iwasaki travaillait comme écrivain et illustratrice dans un journal appelé Jinmin Shimbun (People's Paper), et pendant la nuit, elle faisait des croquis pour se rapprocher de son rêve.
10. La neige par Uemura Shoen, 1940
L'attention particulière qu'Uemura porte aux détails du tissu est illustrée ici dans l'une des nombreuses peintures qu'elle a réalisées en rapport avec la neige. Reconnue comme l'une des artistes nihonga les plus remarquables de son époque, Uemura était réputée pour son travail détaillé qui surpassait celui de ses collègues masculins.
En tant que femme, on dit qu'elle donnait plus d'agence aux sujets féminins de ses peintures, en utilisant de petits détails en couleur pour renforcer leur vivacité et en faisant en sorte que les dessins ressemblent moins à des poupées polies et immobiles, et plus proches de vraies femmes faisant des choses réelles dans leur vie quotidienne.
Dans Snow, on peut voir un peu de couleur rouge sur son visage, ses lèvres et le lobe de son oreille, ce qui ajoute un peu de mouvement à l'image fixe, suggérant que le sujet du tableau est légèrement rougeoyant alors qu'elle marche d'un pas vif dans le froid. Uemura Shoen est l'une de nos 10 peintres féminines préférées dans l'art japonais.
11. Dragon Girl #32 de Katsuya Terada (Rakugakingu)
Dragon Girl #32 est l'un des nombreux dessins au trait de ce personnage unique donné vie au célèbre Katsuya Terada, également connu sous le nom de Rakugakingu (le roi du gribouillage), bien nommé pour la quantité d'illustrations qu'il crée. Cette Dragon Girl particulière est un dessin au trait sur un panneau de bois portant la mention "mixed media on canvas".
Katsuya Terada est un illustrateur aux multiples facettes, s'adonnant aussi bien aux beaux-arts de l'illustration qu'aux mondes de l'art numérique et des mangas. Il est souvent associé à un marqueur noir lors de la création de sa prochaine œuvre, mais on peut aussi le trouver en train de fabriquer un petit iPad et de faire des croquis pendant de longues heures dans la journée.
Ses œuvres majeures, telles que Dragon Girl ou Monkey King, lui viennent au fur et à mesure qu'il dessine. Contrairement à beaucoup d'artistes japonais avant lui, il ne se laisse jamais guider par une esquisse, mais seulement par son imagination et l'inspiration ou les impressions qu'il a en tête.
Dans un court documentaire intitulé Katsuya Terada - Life Drawing, Terada dit : "Quand je commence un dessin en direct et que je suis devant une feuille blanche, je pense toujours que je ne pourrai pas le terminer". Tel est le niveau de détail et de cœur qui se traduit sur le papier.
12. Dessin préliminaire de trois cerfs montés sur un parchemin suspendu Peinture de trèfle des buissons en fleurs par Ogata Korin, 18e siècle
Ce dessin et cette peinture sont uniques dans un sens très collaboratif. Le dessin des trois cerfs du centre a été illustré par la célèbre Ogata Korin au XVIIIe siècle. La peinture d'une plante en arrière-plan a été achevée un siècle plus tard par Suzuki Kitsu.
Les deux artistes ont pratiqué le style d'illustration Rinpa, et les deux œuvres restent quelque peu inachevées, mais belles dans leur simplicité et leur association. Kitsu et le mécène qui a commandé cet art "rendaient hommage à Korin" et tentaient de rajeunir l'art et l'étude du Rinpa comme Korin l'avait fait un siècle auparavant.
13. Grues, pins et bambous par Ogata Korin, début du 18e siècle
Ogata Korin était un artiste de Kyoto qui est devenu célèbre pour sa maîtrise de la peinture décorative. Korin a reçu une éducation somptueuse, mais il a été déshérité pour avoir enfreint une loi de l'époque qui interdisait le partage de l'argent et de l'or avec le peuple. Après avoir perdu son héritage, Korin est revenu à sa vie de peintre.
Cette illustration intitulée Cranes, Pines, and Bamboo est probablement l'une de ses premières esquisses, qui au fil des ans a été remontée sous forme de paravent. Les grues, les pins et les bambous sont considérés comme des symboles de longévité, des éléments de la nature qui vont et viennent avec les deux saisons qui sont subtilement représentées ici : le printemps et l'automne. On attribue à Korin le renouvellement du style de peinture traditionnel japonais Rinpa, une forme d'art qui se concentre sur des sujets naturels tels que les fleurs, les plantes et les oiseaux.
Le Rinpa était pratiqué sous différentes formes, allant de la sérigraphie, des livres imprimés sur bois, de la céramique et même des textiles de kimono. Korin était surtout connu pour son utilisation dans le raffinement de sa technique Rinpa avec la gradation des couleurs, et l'utilisation de l'or.
14. Daishojin Bosatsu attribué à Takuma Tameto, XIIe siècle
Datant du 12e siècle, ce dessin japonais ancien bien conservé représente une divinité bouddhiste nommée Daishojin Bosatsu. Ce bodhisattva à l'air calme est l'une des seize divinités gardiennes.
L'illustration fait partie des centaines qui faisaient à l'origine partie d'un album d'illustrations iconographiques du monde métaphysique du Mandala du Monde de Diamant, un royaume particulier qui était particulièrement important pour la pratique bouddhiste japonaise des enseignements bouddhistes ésotériques. Cette peinture est remarquable par la qualité du dessin et ses couleurs arc-en-ciel.
15. Croquis de Katsushika Hokusai, 1836
Initialement destinée à un livre d'images, cette illustration à l'encre sur papier du célèbre Katsushika Hokusai représente un guerrier nommé Wada Heita Tamenaga poignardant un serpent. Bien qu'une série de guerriers ait annoncé la publication prochaine de ce dessin, pour des raisons inconnues, ils n'ont jamais été publiés.
Les illustrations auraient été collées sur des planches de bois dans la tradition de l'ukiyo-e, mais elles sont aujourd'hui conservées telles quelles : de fines feuilles de papier. Hokusai, qui est connu dans le monde entier pour son impression emblématique, La Grande Vague de Kanagawa, a réalisé des milliers d'œuvres tout au long de sa vie. Avant sa mort, il avait changé son nom 30 fois.
Au moment de ce dessin, en 1836, il s'appelait Gakyou Roujin, ce qui signifie en gros "Le vieil homme fou d'art". C'est dans la dernière partie de sa vie qu'il a réfléchi à son art et à l'influence que l'âge et l'expérience ont eu sur son travail. Il était un illustrateur assidu et peignait jusque dans ses dernières années, toujours désireux d'améliorer sa dernière peinture, estampe ou esquisse.